Los inicios del cine y el lenguaje cinematográfico

ORÍGENES DEL CINE Y DEL LENGUAJE CINEMATOGRÁFICO

La invención del cine fue
fruto de toda una serie de
descubrimientos llevados a
cabo por distintos
inventores. Su nacimiento fue
posible por el desarrollo de
la fotografía y por la
posibilidad de captar el
movimiento gracias al
fenómeno óptico de la
persistencia retiniana, por el
cual, aunque vemos una
sucesión rápida de imágenes,
no las percibimos de modo
individualizado, sino como
una secuencia continua.
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A lo largo del S.XIX se desarrollaron varios
juguetes ópticos que tenían como objetivo
experimentar con la ilusión de movimiento:
- el taumatropo: superficie plana y circular que
tiene una imagen diferente en cada lado.
Cuando se hace girar, las dos imágenes se
superponen y sólo vemos una.
- El fenaquistiscopio, un disco que tiene
dibujado varias veces el mismo objeto con
sutiles variaciones para que, cuando gire ante
un espejo, se genere ilusión de movimiento.
- El zoótropo, un cilindro con agujeros a través
de los cuales, al girar, se ven figuras animadas.
- La linterna mágica, desarrollada en el S. XVII,
se basaba en el principio de la cámara oscura,
pero invertía el proceso y proyectaba las
imágenes hacia el exterior.
TAUMATROPO

LINTERNA MÁGICA
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Aparato óptico, precursor del cinematógrafo, capaz de proyectar imágenes pintadas
sobre placas transparentes, como lo haría más tarde el proyector de diapositivas.

Además, se desarrollaron los
experimentos de Muybridge
y Marey para captar el
movimiento mediante la
fotografía.
Paulatinamente se fueron
creando dispositivos que
intentaban registrar, con
mayor o menor éxito, la
imagen en movimiento.
Mujer bajando una escalera, Muybridge

Las películas más antiguas que
se conservan datan de 1890 y
son obra de William K. Laurie
Dickson, director del proyecto
de la casa Edison e inventor de
la cámara que Edison patentó
en 1891 con el nombre
de kinetógrafo.
Este aparato tenía como
finalidad acompañar con
imágenes los sonidos del
fonógrafo, otro de los inventos
de Edison. Las imágenes que
proyectaba eran muy pobres,
por lo que Edison trabajó en el
visionado individual.
William K. Laurie Dickson
Thomas Alva Edison

En 1891 Edison patentó el kinetoscopio,
inspirado por su interés por las imágenes en
movimiento después de conocer al pionero
en fotografía Eadweard Muybridge y su
obra.
El kinetoscopio era un aparato destinado a
la visión individual de bandas de imágenes
sin fin a una velocidad de 40-60 fotogramas
por segundo, aunque no permitía su
proyección sobre una pantalla. Las imágenes
eran circulares. El visor individual se ponía
en marcha introduciéndole una moneda
que activaba el motor eléctrico y ofrecía una
visualización de unos 20 segundos. A partir
de 1894 se empezó a fabricar en serie y se
produjeron centenares de películas que se
podían ver en unos espacios denominados
nickelodeones.

De la colaboración entre Edison y Dickson nació el primer estudio cinematográfico.
ESTUDIOS BLACK MARIA O KINETOGRAPHIC THEATER EN NEW JERSEY

El proceso que llevó a la invención del cine culminó con el cinematógrafo, ideado y patentado
por parte de los hermanos Lumière en 1895. Éste era un dispositivo que permitía la toma,
proyección y copiado de imágenes en movimiento. La cámara era sencilla y muy práctica. El
arrastre intermitente de la película se inspiraba en el mecanismo de una máquina de coser.
Funcionaba mediante manivela, con película perforada de 35 mm, a 16 fotogramas por
segundo. Era portátil y servía indistintamente para filmar las imágenes y para realizar la
proyección.

La primera proyección pública cobrando
entrada tuvo lugar el 28 de diciembre de
1895 en el Salón Indien de París. Se
proyectaron 10 films de tipo documental
durante unos 20 minutos. El primero de ellos
era la Salida de trabajadores de la fábrica
Lumière. Además de ésta, se proyectaron
varias cintas entre las que destacaban
Llegada de un tren a la estación de la Ciotat,
El desayuno del bebé o El regador
regado. Eran grabaciones sobre momentos
de la vida cotidiana, reconocibles por su
brevedad, la ausencia de actores, decorados
naturales y montaje y la posición fija de la
cámara. El primer cartel de cine de la
historia fue el de la película El regador
regado de los Hermanos Lumière (1895).
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El éxito del cinematógrafo fue inmediato
en toda Europa y América del Norte.
Los Lumière crearon un centenar de cintas
y, en 1896, pusieron en marcha la
producción de aparatos y contrataron
operadores a los que instruían tanto en la
proyección como en la filmación de vistas.
Estos pioneros recorrieron las provincias y
el extranjero. Pronto todas las capitales
europeas y estadounidenses conocieron el
cinematógrafo Lumière. Los operadores
proyectaban las películas y además,
tomaban nuevas vistas con las que se
ampliaba el catálogo de la Casa Lumière,
consiguiendo de este modo imágenes de
todo el mundo.
La primera proyección en España la realizó
el francés Alexandre Promio en Madrid, en
mayo de 1896, quien también filmó las
primeras imágenes en Barcelona (Plaza del
Puerto de Barcelona) y otras vistas de
Madrid.
Primeras proyecciones cinematográficas en San
Sebastián (1896)

La política comercial de los hermanos
Lumière se orientó a la creación de
concesionarios a los que se proveía de
operador, cinematógrafo y películas a
cambio de un porcentaje de los ingresos.
Pronto aparecieron nuevos fabricantes
que, a diferencia de los Lumière, no
dudaron en vender sus aparatos a las
empresas de espectáculos. Se inició en
estos años la competencia por los inventos
y también por la producción de películas.
En Francia aparecieron Méliès y Pathé, en
EEUU Edison y la compañía Biograph, en
Londres William Paul, ...
Los Lumière, que siempre consideraron su
invento como una "curiosidad científica",
desconfiaban de su rentabilidad y antes de
1900 abandonaron su explotación.

Alice Guy fue la primera realizadora de una
película, la fundadora del cine narrativo y de
la narración cultural superando el cine de
demostración de los hermanos Lumière y
sentando las bases de lo que en el futuro se
ha considerado ficción.
Su primera película fue El hada de los
repollos (La Fée aux Choux, 1896). Realizó
muchas más películas, entre ellas Sage-femme
de première classe (1902) y La
Esméralda (1905).
Fue pionera en los efectos especiales,
la ficción fílmica, el lenguaje cinematográfico
(planos, iluminación, attrezzo, montaje,
caracterización...) y fundadora de lo que más
tarde se ha considerado la profesión
de productor o productor ejecutivo.
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Fue la primera persona que logró
mantenerse económicamente como
productora. Rodó más de 1000 películas
a lo largo de su vida, fundó varias
productoras en Francia y en Estados
Unidos y luchó por ser reconocida
como directora, actriz y productora.
La historia del cine borró su paso por la
historia y atribuyó sus películas a su
marido, a anónimos, o bien nunca fueron
mencionadas.

GEORGES MÉLIÈS
En sus inicios era un ilusionista que
utilizaba el cinematógrafo como un
elemento más para sus espectáculos.
Realizó películas con historias y decorados
fantásticos, como Fausto y Barba
Azul (1901). Con el paso del tiempo se
convertiría en un gran cineasta, creador de
efectos especiales, aunque al principio
eran muy rudimentarios. Uno de los
trucajes más habituales era hacer
desaparecer y aparecer cosas. Otros eran
la sobreimpresión de imágenes, las dobles
exposiciones o el uso de maquetas. Fue un
pionero de la publicidad cinematográfica y
de la ciencia ficción: Viaje a la Luna (1902)
y Viaje a través de lo imposible (1904) se
encuentran entre sus mejores obras.
https://www.youtube.com/watch?v=t2zfxKXbLlQ&list=PLHQODl
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En España la primera filmación
cinematográfica realizada por un
autóctono fue Salida de misa de
doce del Pilar de Zaragoza,
rodada por Eduardo Jimeno
Correas en 1897.
https://www.youtube.com/watch?v=2l48m4Um66o

FRUCTUÓS GELABERT
En 1897 compró una cámara Lumière y,
tras estudiarla detenidamente, construyó
su propia cámara, la primera en España.
Considerado como pionero del cine
español, alternó la filmación de reportajes
con el cine. Entre sus obras destaca Riña
en un café (1897), primera película de
ficción realizada en España. En 1899
fundó los primeros estudios barceloneses
destinados a la construcción de aparatos
cinematográficos y equipos de
proyección. De ese mismo año es Choque
de dos trasatlánticos, en la que usó
maquetas y barcos en miniatura y que es
considerada la primera película española
en la que se emplearon trucajes.
Construyó el primer tambor giratorio con
fondos pintados, para crear la sensación
del movimiento de un tren en Los
calzoncillos de Toni (1908).
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https://www.youtube.com/watch?v=IDIADoKjPpY

SEGUNDO DE CHOMÓN
Se convirtió en el Méliès español, usando su
mismo método de montaje cuadro a cuadro.
Se involucró en el mundo del cine a través de
su mujer, que fue actriz de Pathé Films. En
1905 se estableció en París donde se convirtió
en todo un especialista en trucaje
cinematográfico. Dotado de una gran
creatividad y dominio técnico para los efectos
especiales, fue contratado por las empresas
del mundo del cine más importantes de la
época, como Itala Films. Embellecía el cine
narrativo con fantásticos e ingeniosos efectos,
maravilloso colorido y animación con
marionetas, etc. Las obras de su producción se
encuentran entre las más destacadas de inicios
del siglo XX. Contribuyó, además, con los
efectos especiales en películas de cine mudo
como Cabiria (1914), de Giovanni Pastrone, o
Napoleón (1927), de Abel Gance.
https://www.youtube.com/watch?v=xJTq9a5BAmQ
https://www.youtube.com/watch?v=2_JGZgws2gI

Una de sus obras más imaginativas fue El hotel eléctrico.

LENGUAJE CINEMATOGRÁFICO
A principios del S.XX se fue creando el
lenguaje cinematográfico y fueron
apareciendo nuevos géneros y recursos
narrativos. Tras los primeros efectos
especiales de Meliès y Chomón, los
primeros cineastas buscaron la manera
de seguir atrayendo al público a las
salas. Las barracas de los inicios del cine
se convirtieron en salas elegantes y
espaciosas donde comenzaban a acudir
las clases acomodadas y no sólo las
populares. Con el fin de llenar de
películas estas salas estables, se
comenzaron a realizar películas más
cultas para este público burgués. En
Francia el proyecto se conoció
como Films d'Art, basados en obras
literarias donde actuaban actores
famosos del teatro.

Al igual que Edison en los EEUU,
Charles Pathé marcó en Francia el
inicio de la industrialización del
cine. Los films producidos por él
alcanzaron un buen nivel de calidad
gracias a la dirección de Ferdinand
Zecca, a quien se deben La Pasión
(1902) o El asesinato del duque de
Guisa (1904). A Pathé le apareció
como rival Léon Gaumont, que
contrató al director Louis Feuillade,
que se especializó en el género de
terror.
FERDINAND ZECCA LOUIS FEUILLADE

En EEUU Erwin S. Porter trabajó junto
Thomas Alva Edison como ayudante de
cámara y como jefe de su
estudio. Fascinado por el trabajo de
Méliès, quiso hacer un cine narrativo y
tuvo la idea de montar por separado una
serie de escenas de archivo de incendios y
acciones de los bomberos por un lado y
por otro, secuencias de bomberos
tomadas por él mismo. El resultado fue
Vida de un bombero americano (1903),
probablemente la primera película de
montaje de la historia del cine
https://www.youtube.com/watch?v=6ym7-QW_GWo
ERWIN S. PORTER

Porter perfeccionó su descubrimiento en
Asalto y robo al tren (1903), en la que
mezcla varias historias rodadas por
separado que confluyen en un momento
determinado. El final de la película es otro
avance indiscutible: el primer plano del
actor George Barnes, jefe de los bandidos,
que apunta su revólver hacia el público y
dispara. En esta obra emplea de forma algo
rudimentaria el montaje paralelo y aunque
la acción suele transcurrir de cara al
espectador, se observa un uso narrativo de
la profundidad.
Asalto y robo al tren (1903) inició el género
del western y puede ser considerada como
la primera obra importante, con
argumento de ficción, del cine de EEUU.
Tuvo un gran éxito y contribuyó de forma
notable a que el cine se convirtiera en un
espectáculo masivo. Las pequeñas salas de
cine, conocidas como nickelodeones, se
extendieron por Estados Unidos y el cine
comenzó a surgir como industria.
https://www.youtube.com/watch?v=zuto7qWrplc

En el Reino Unido destacó la Escuela de Brighton,
Sus principales representantes fueron George Albert
Smith y James Williamson, que rodaron pequeños
relatos cómicos, dramáticos o de fantasía, para los
que utilizaron recursos narrativos muy innovadores.
El movimiento de los personajes se realiza tanto a lo
ancho como en profundidad, interrumpen el plano
general de la acción para intercalar un plano más
corto, un primer plano, que permita ampliar
detalles. También utilizaron recursos innovadores
como la sobreimpresión, la panorámica y
el travelling.
En Ataque a una misión china (1900) la acción se
desarrolla en cuatro escenarios distintos, dando al
relato gran vivacidad. Esta intencionalidad en el
montaje de secuencias supone un paso hacia una
narrativa propiamente cinematográfica y un
alejamiento de la vía teatral. Esta fragmentación del
acontecimiento, narrado en varias secuencias,
empleando el plano/contraplano y un boceto de
acciones paralelas, Williamson la aplicó a otro de sus
hallazgos: la persecución, elemento esencial
del cine de acción, de aventuras y del western.
https://www.youtube.com/watch?v=3TBYmql
aYLk
https://www.youtube.com/watch?v=to-gGdh42Nk
THE BIG SWALLOW

En Italia destacó la película Cabiria (1914),
dirigida por Giovanni Pastrone. La acción de
la película transcurre en el siglo III a. C.,
durante la Segunda Guerra Púnica (218 a 201
a. C.) y narra la victoria de Roma sobre
Cartago.
Por lo que Cabiria es más recordada es por la
introducción de travellings laterales y de
avance y retroceso, que exploran el plano y
dotan de una mayor fluidez a la narración.
Cabiria influyó notablemente en David Wark
Griffith.
https://www.youtube.com/watch?v=iJcb-bMgoCg&vl=es

Fue el primero en utilizar sistemáticamente
recursos utilizados anteriormente por otros
cineastas, como el primer plano, el montaje
paralelo o la cámara en movimiento.
Comenzó como actor en compañías de teatro y
también fue escritor antes de llegar al cine.
Entre 1908 y 1912 rodó casi quinientas películas
para la Biograph. En esas primeras obras se
aprecian algunas de sus innovaciones narrativas
DAVID WARK GRIFFITH

 Los argumentos repiten el esquema de una familia
burguesa amenazada por un peligro que acaba
superándose.
 Uso de recursos como el flashback y el
acercamiento del punto de vista de la cámara a la
acción (planos medios y primeros planos).
 Uso de la iluminación con fines
dramáticos, panorámicas, travellings, decorados
naturales, fundidos, apertura y cierre de
objetivo, Flou, sobreimpresiones, variadas formas
de raccord a través de objetos, miradas y gestos.
 Los catchs (recortes en negro dentro del plano) y
los desenfoques creativos.
 El uso intencional de la profundidad de campo.
 Montaje paralelo, con la que hace coincidir dos
acciones en pantalla, alternando a través del
montaje de planos de cada una de ellas, hasta que
finalmente ambas acciones confluyen en una
acción única, generalmente el rescate de alguna
víctima inocente. Consiguió tal perfeccionamiento
en esta técnica que a partir de entonces este tipo de
montajes pasaron a conocerse como "salvamento
en el último instante de Griffith" (Griffith´s Last
Minute Rescue).

En 1915 dirigió El nacimiento de una nación (The
Birth of the Nation), considerada como el
despegue del cine con relación al teatro filmado,
porque en ella Griffith consigue sistematizar y dar
coherencia a todos los elementos narrativos que
antes se habían utilizado de forma más o menos
ocasional y construye un lenguaje propio, sólido y
eficaz y fija unas convenciones que la gramática
fílmica no perderá ya nunca.
Además, la película -que trata de la relación entre
dos familias rivales en la Guerra de Secesión
americana- sitúa al cine dentro del aparato
industrial, por el alto presupuesto con el que
contó (115.000 dólares de la época que sirvieron,
para contratar a más de 15.000 extras), por la
insólita duración del film para la época (2 h 45
minutos) y porque su estreno llevó aparejado un
espectacular éxito de público, aunque también
fue causa de escándalo y críticas por su sesgo
racista.
http://epoca1.valenciaplaza.com/ver/154725/nacimiento-
nacion-100-polemica.html

Un año más tarde Griffith dirigió Intolerancia,
en la que colaboraron Eric von Stroheim, Todd
Browning, Victor Fleming..., con un
presupuesto de dos millones de dólares, que
invirtió en colosales decorados y en la
contratación de miles de extras. El argumento,
basado en la intolerancia de la humanidad a lo
largo de los tiempos, se estructuró en cuatro
episodios que recreaban distintas épocas y
geografías. Para aglutinar la disparidad
histórica de los cuatro episodios, Griffith
introdujo un motivo poético que evocaba
unos versos de Walt Whitman, una madre
meciendo la cuna de su hijo. Sin
embargo, Intolerancia fue un enorme fracaso
comercial. Ni el público ni la crítica la
apreciaron. Sin embargo, el film reúne de
nuevo lo mejor de su repertorio narrativo, con
una eficacia tan contundente como en El
nacimiento de una nación.

Griffith creó sus propias
productoras. En 1915, participó
junto a Ince y Sennett en
la Triangle Pictures, de vida muy
corta. Poco después, en 1919,
Griffith fundó junto a Douglas
Fairbanks, Mary
Pickford y Charles Chaplin, la
productora United Artists, con lo
que reivindicaba el status del
director como estrella.
FUNDADORES DE UNITED ARTISTS

Sus siguientes largometrajes -entre
los que destaca Lirios rotos (1919)-
tuvieron cada vez menos éxito. En
1930 rodó su primer film
sonoro, Abraham Lincoln.
Totalmente arruinado, sus bienes
fueron subastados en 1935 y sólo él
mismo pujó por los derechos de sus
películas.
Sin embargo, su nombre siempre
quedará ligado a la sistematización
de los avances en el lenguaje
cinematográfico y su película El
nacimiento de una nación se
encuentra entre las mejores de la
historia del cine, a pesar de su
contenido racista.

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